Todas las películas de Quentin Tarantino, ordenadas de peor a mejor

Quentin Tarantino hizo diez películas en treinta años y anunció que la décima — todavía sin título definitivo confirmado — será la última. Es una filmografía breve para alguien con su impacto, y esa brevedad tiene una explicación: Tarantino no filma hasta tener algo que decir, y cuando lo tiene, lo dice de una manera que nadie más podría decirlo. No hay directores contemporáneos que suenen como él. Hay directores que intentan sonar como él, que es diferente.

Este ranking ordena su filmografía completa de peor a mejor según los puntajes de CineenSeries. Todas las películas tienen reseña individual — los enlaces están al final de cada entrada. El criterio es simple: qué tan bien logra cada película lo que se propone, y cuánto deja después de que termina. (10/10)

10. Death Proof (A prueba de muerte) — 2007

La mitad de Grindhouse, el experimento doble feature que Tarantino hizo con Robert Rodriguez para recrear la experiencia de los cines de serie B de los años setenta. Death Proof es la menos vista de su filmografía y la que más acusa el formato: fue concebida como una película de 85 minutos para un programa doble y tiene la cadencia de eso — larga en los diálogos, abrupta en la acción, diseñada para un contexto que no existe fuera del cine donde se estrenó. Kurt Russell como el Asesino en su auto a prueba de muerte tiene presencia, y la secuencia final de persecución es genuinamente emocionante. Pero en el conjunto de su obra, esta es la entrada más prescindible.

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9. Jackie Brown — 1997

La menos tarantiniana de sus películas es también la más madura. Adaptación de Rum Punch de Elmore Leonard, Jackie Brown sigue a una azafata de mediana edad que intenta salir de un esquema de contrabando sin terminar presa ni muerta. Pam Grier en el rol central, Samuel L. Jackson como el traficante, Robert Forster como el fiador — un elenco de actores de los setenta que Tarantino convocó con la misma lógica con la que relanzó a Travolta. La película es lenta en el mejor sentido: toma su tiempo con los personajes y deja que el espectador se encariñe antes de complicarles la vida. No tiene la electricidad de sus obras más conocidas, pero tiene algo que ellas no siempre tienen: ternura.

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8. Los odiosos ocho — 2015

Filmada en Ultra Panavision 70mm — el mismo formato que Ben-Hur y Lawrence de Arabia — Los odiosos ocho es el experimento más formal de Tarantino: ocho personajes encerrados en una cabaña durante una tormenta de nieve en el Wyoming posterior a la Guerra Civil, con una traición entre ellos que hay que descubrir. La referencia explícita es Agatha Christie y el teatro de cámara, y la película tiene esa estructura — más cercana al drama de situación que al thriller de acción. Jennifer Jason Leigh tiene la actuación más subestimada de su carrera. Samuel L. Jackson la suya más libre. El tramo central pierde algo de la tensión que el primero construyó, pero el conjunto es una demostración de que Tarantino puede operar en registros que su reputación no siempre sugiere.

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7. Kill Bill: Volumen 2 — 2004

La mitad más lenta y más profunda del díptico. Si el Volumen 1 es una película de artes marciales filmada como un manga animado, el Volumen 2 es un western de venganza con influencias del cine italiano. La Novia llega al final de su lista. Las escenas con David Carradine — el Bill del título, que aparece más en este volumen que en el anterior — tienen una calidad de diálogo que está entre lo mejor que Tarantino escribió. El final, que podría haber sido el más violento de los dos, es en cambio el más quieto. Una decisión que divide y que con el tiempo resulta ser la correcta.

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6. Kill Bill: Volumen 1 — 2003

Una de las películas más visualmente inventivas del cine americano de los 2000. Uma Thurman como La Novia — el papel que Tarantino escribió para ella desde que filmaban Pulp Fiction — en una misión de venganza contra los cinco miembros del Escuadrón Víbora Letal que la dejaron por muerta el día de su boda. La secuencia de El Jardín de la Paz de Azul — un solo plano de combate contra decenas de enemigos con la fotografía cambiando a blanco y negro para eludir la censura — es uno de los momentos de puro cine que solo Tarantino podría haber filmado. Más cercana al espectáculo que a la profundidad, pero el espectáculo es inigualable.

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5. Había una vez en Hollywood — 2019

La carta de amor más personal de Tarantino al Hollywood que lo formó. Brad Pitt y Leonardo DiCaprio como un actor de westerns en decadencia y su doble de riesgo, en el Los Ángeles de 1969 — el año en que todo cambió, antes de que nadie supiera que todo iba a cambiar. La película es deliberadamente lenta, deliberadamente nostálgica, y tiene la valentía de ser sobre el tiempo que pasa y las cosas que se pierden más que sobre ninguna trama en particular. Margot Robbie como Sharon Tate tiene la secuencia más hermosa de toda la filmografía de Tarantino — aquella en la que entra a un cine a ver su propia película — sin decir prácticamente nada.

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4. Django sin cadenas — 2012

El western más incómodo y más necesario del cine americano reciente. Jamie Foxx como el esclavo liberado que cruza el sur de los Estados Unidos para rescatar a su esposa, con Christoph Waltz como el cazarrecompensas alemán que es simultáneamente su liberador y su maestro. Leonardo DiCaprio como Calvin Candie — el dueño de la plantación Candyland — construyó el villano más perturbador de su carrera precisamente porque no tiene ninguna coartada: es lo que es dentro de la lógica de su mundo, completamente. Samuel L. Jackson como Stephen cierra el reparto con la actuación más audaz de la película. Dos Oscar al guion y al actor de reparto.

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3. Reservoir Dogs — 1992

La ópera prima más concentrada de la historia del cine independiente americano reciente. Con 1,2 millones de dólares — conseguidos gracias a Harvey Keitel, que leyó el guion y se sumó al proyecto — Tarantino filmó una película que no necesita el robo en pantalla para ser el mejor thriller de robo de los noventa. Seis hombres con nombres de colores, un almacén, una traición que nadie puede probar y Michael Madsen bailando con una navaja mientras suena Stuck in the Middle with You. Todo lo que Tarantino sería en los siguientes treinta años está acá, comprimido en noventa y nueve minutos sin un solo plano de relleno.

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2. Bastardos sin gloria — 2009

La película más refinada de Tarantino y la que mejor demuestra que el diálogo puede ser una forma de violencia más efectiva que cualquier disparo. Christoph Waltz como Hans Landa — el coronel nazi políglota que caza judíos con la eficiencia de quien resuelve crucigramas — es la creación de personaje más lograda de toda su filmografía. La secuencia de apertura en la granja es dieciséis minutos de tensión construida enteramente sobre palabras, sin una sola escena de acción, que terminan de una manera que el espectador no puede anticipar aunque sepa que se viene. El final — Tarantino mata a Hitler en un cine de París — no es una provocación. Es una declaración sobre el poder del cine para reescribir el mundo.

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1. Pulp Fiction — 1994

Hay un antes y un después de Pulp Fiction en el cine americano. La Palma de Oro de Cannes en 1994, el Oscar al mejor guion original, la resurrección de John Travolta, Samuel L. Jackson y el monólogo de Ezequiel 25:17, Uma Thurman y la sobredosis, Christopher Walken y el reloj, Bruce Willis y Ving Rhames en el sótano — cada secuencia de esta película es una obra maestra autónoma que además funciona dentro de un todo perfectamente construido. Treinta años después no parece tener ninguno. No hay manera de hablar del cine de la segunda mitad del siglo XX sin hablar de Pulp Fiction. No hay manera de hablar de Pulp Fiction sin quedarse corto.

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El resumen

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